艺术设计的理论知识
艺术设计讲义
艺术设计定义第一讲
20世纪美国设计师罗微开创了艺术设计中的流线型风格。飞机、汽车、轮船等。
美国艺术设计师Dreyfus 1937设计的现代电话原型。
我们生活周围的美也包括创造的美。创造的世界是艺术设计的世界...
一，艺术设计理念的历史发展
艺术设计不是对象的全部设计，而只是对象的艺术设计。
艺术设计是在现代工业大生产条件下，将产品的功能性、使用舒适性和外观美感有机和谐地结合起来的设计。作为一种职业，它诞生并形成于20世纪初。他的理论的基本问题是生产与艺术、功利与美的关系。
(一)中国艺术设计理念的形成
1.春秋时期的文献中有很多关于艺术设计概念的记载。老子，论语，大学
2.战国时期的《考·公基》是中国第一部手工业技术著作，也是中国古代技术史上最重要的文献。它对中国器皿制造的历史产生了巨大的影响。1，它总结了中国古代制作器皿的经验，制定了制作器皿的基本原则。2.蕴含着丰富的艺术设计理念。以汽车为例，车轮、车厢、车罩等零部件的制作原则充分体现了形式服从功能的理念。轮子的制作应该让使用者感觉舒适，用现代的话来说，应该考虑到人体工程学的因素。木制手推车的生产也应该考虑文化象征。
3.明代宋的《天工开物》结合了中国传统文化和科学技术。《创世纪》和“造化弄人”这两句话集中体现了中国传统的创造思想。
4清朝康熙年间，李煜的《随缘》？万奇布的艺术设计理念。他把物件当做情感寄托。他善于通过安排把无情的东西变成有情的东西。这样看器物，意味着造物在手，实现了。
(二)西方艺术设计理念
1.古希腊人理解的艺术包括音乐、绘画、雕塑、手工艺、农业、医学、骑射、烹饪等等。艺术和技术是不同但互补的活动。
2.苏格拉底提出了美与实用的关系问题。苏格拉底把美和功利联系起来，认为没有什么东西一定是有用的，衡量美的标准是功利，有用就是美。有害则丑。
3.柏拉图区分了绝对美和相对美。他说，现实事物的美是相对的美，而直线、圆平面、立体等抽象形式的美是绝对的美、永恒的美、为美而美。
4.西塞罗继承了苏格拉底的美取决于功能的观点，认为有用的东西就是美的东西，并将这一观点应用于动物、植物和艺术，区分有用美和装饰美。
5.古罗马维特鲁威的《建筑十书》论述了创造活动中虚无与功能的关系。指出建筑的主要原则是“坚固、适用、美观的原则”。形式美和功能美要保持一定的平衡。
6.奥古斯丁区分了存在的美和存在的美。自由之美是事物本身的美，自我行动之美是一种事物适合于其他事物的美，其中包含了功利性和目的性的因素。给艺术设计的启示是，艺术设计是面向对象的设计，要针对消费者的实际需求。
7.文艺复兴时期达芬奇设计的一些产品体现了艺术与技术的内在统一。
8、18世纪西方美学家看到了美与功利的联系。
在9世纪和19世纪，随着艺术家参与生产过程，器皿的设计和生产也被视为一门艺术..
二，设计活动中的艺术设计
设计作为人类的一项有意义的活动，是指在正式从事某项工作之前，按照一定的目的要求，预先制作方法图。
设计的两种表现形式:1。它只是生产过程中的内在因素，并没有脱离生产。产品的原型留在生产地的脑海里，生产者也是设计者。设计是一项相对独立的活动，制作者根据设计师事先设计好的图纸进行加工。
设计与生产的关系:1设计与生产是兼容的，它们是统一的行为。2设计与生产无关，但对生产影响不大。4设计独立于生产，对生产影响很大，以至于生产从属于设计。
艺术设计
艺术设计与自主创新
(一)艺术设计的复杂性和可变性
艺术设计的复杂性决定了它有多种类型和模式。类型的多样性不仅取决于各国社会经济结构和产业发展水平的差异，还取决于艺术设计对象的差异。艺术设计活动的复杂性和综合性决定了艺术设计理论的复杂性和综合性，涉及哲学、社会学、美学、艺术、经济学、文化、人机工程学、技术等领域。
艺术设计的可变性也很明显。起初，作为建筑的一部分，最具代表性的是包豪斯(意为“建筑之屋”)的建立。从欧洲移植到美国后，在20世纪三四十年代独立于建筑学发展起来。美国艺术设计主要是商业艺术设计，以追求商业利润为目的。风格上离不开风格主义，但在功能之外改变了产品形态。20世纪五六十年代，德国乌尔姆高级造型学院对美国艺术设计的风格主义进行了尖锐的批判，使艺术设计摆脱了它。艺术设计逐渐成为不依赖于建筑或风格主义的独立活动。
(二)艺术设计是企业整合创新的重要途径。
5438年6月+2005年2月召开的中央经济工作会议指出:“要把增强自主创新能力作为科技发展的战略基础和调整产业结构、转变增长方式的中心环节。”自主创新有三种方式:原始创新、集成创新和引进消化吸收后的创新。基于艺术设计的上述特点，我们认为艺术设计是企业整合创新的重要途径。
作为一种集成创新，艺术设计具有以下特征:
1.艺术设计有一个原型或原始素材，也就是有一个可供整合的对象。整合的对象不仅可以是相同或相似种类的对象和现象，也可以是不同种类的对象和现象。不同领域的对象可以组合，甚至可以不是整个对象，而只是对象的一部分，或者可以将作用原理、功能特征、感性特征整合成一个新的统一体。
2.艺术设计目的性明确，实用性强。发明与此不同，它往往是意想不到的或长期实验的结果。比如苏格兰人贝尔发明电话是原始创新，美国人德雷福斯设计现代风格的电话是集成创新。
3.艺术设计扮演着进步加速器、技术催化剂和社会催化剂的角色。它将科学家和发明家所获得的发现、规律、原理和材料应用于具体的现实，并使之进入工业、技术和日常生活。
4.艺术设计在融合创新时产生质量效应。比如赋予产品美观舒适的属性。
第二讲工业早期的艺术设计
艺术设计作为一种职业，产生于20世纪初。英国威廉？莫里斯和罗斯金被后人追溯为艺术设计的先驱。德国建筑师Zemper在19世纪末手工业设计向工业艺术设计的转变中发挥了重要作用，德国艺术工业联盟实现了这一转变。受德国艺术产业联盟的影响，英国和法国的早期艺术设计也有所发展。
罗斯金是英国艺术理论家、画家、诗人和政论家，属于英国浪漫主义后期。
他提倡复兴“创造性的”中世纪手工艺品。作品《建筑的七盏灯》探讨了建筑和装饰的设计原则，肯定了“装饰是建筑的首要部分”，呼吁工业化的英国回到中世纪。
作为一个道德主义者，罗斯金关注艺术与技术相互作用的伦理方面，并从道德主义的立场批判资产阶级社会。
19世纪中期在英国形成的两大美学思潮——道德主义和唯美主义中，以罗斯金为代表的道德主义认为美学和伦理是同一的，强调美的道德性；要求艺术具有高尚的道德内容，作品的艺术价值直接取决于它所体现的思想意义；失去美丽也意味着失去道德。罗斯金主张回到手工生产。他不是反对技术本身，而是反对伴随技术而来的资源的严重消耗和自然环境的破坏。正因如此，罗斯金对当时的著名建筑“水晶宫”进行了严肃的批判，认为它的固着完全破坏了自然景观。
罗斯金对艺术现象采取文化态度，强调像阅读弥尔顿或但丁一样“阅读”过去时代的建筑。他看到了体力劳动中的创造性因素，并将这种劳动诗化。他是第一个始终如一地将艺术、劳动和道德因素融为一体的人。
威廉？莫里斯是罗斯金观点的最早支持者之一。
关于19世纪下半叶建筑和实用艺术的衰落，莫里斯总结了两点:第一，资本主义只承认带来商业利润的产品是唯一的价值，制造商因为机器的使用，可以用同样的工时和成本生产便宜得多的产品，导致产品艺术质量下降；其次，逐利的物质生产增长导致分工，丧失了劳动的创造性。他认为，每个历史时代的艺术性质的决定因素是作为那个时代基础的劳动的性质。
莫里斯将罗斯金的想法付诸实践。莫里斯的新婚房“红房子”力求接近中世纪晚期的风格。比如一些哥特式的细节——尖拱顶、高坡屋顶等。都是领养的。“红房子”不仅影响了私宅的设计，也成为居住环境整体安排的范例。
莫里斯参与建立了手工艺研究行会——英国最早的设计协会之一。他主张手工生产和机器生产的对立，他非常关注产品结构。
莫里斯把当时英国人不喜欢公开谈论的私宅和居住环境变成了讨论的对象。他建议使用浅色的室内装饰、鲜艳多彩的壁纸、新的灯具和家具。1866展出的“绿色客厅”是未来室内装修的实验性设计，作为“红房子”获得了广泛的知名度。莫里斯以此来展示艺术家参与环境设计的可能性。
在艺术理论中，莫里斯重新评估了装饰实用艺术和手工艺在整个艺术体系中的地位。如果说罗斯金过去关注的是建筑的历史性和艺术性，那么莫里斯则认定手工艺品是艺术的基础，在他看来，其他造型艺术都是从手工艺品中产生和发展出来的。莫里斯认为，任何人都可以从事艺术创作，就像能够说话一样，尽管造型艺术创作需要特殊的技能和学习艺术语言。所有的人都应该被艺术创作所吸引。
在美学理论中，莫里斯认为，每一代人都把人类积累的文化视为遗产，他们感知美的艺术能力几乎等于在劳动中体现美的能力。代与代之间的区别在于表现才华的形式。比如中世纪，很多人从事艺术创作，因为他们生活在自然经济中，要为自己和周围做东西，盖房子。
新艺术运动
“像英国工艺美术运动一样，欧洲大陆的新艺术运动具有复兴手工艺品和装饰艺术的优势。毫无疑问，工艺美术运动除了扎实可靠的品质和简洁的形式，更追求比新艺术运动更高的道德价值。工艺美术运动代表了一种对社会尽职尽责的行为，而新艺术运动本质上是为艺术而艺术。”
如果说工艺美术运动热衷于复兴中世纪艺术，那么新艺术运动则是从大自然中汲取灵感。他们以日常生活为艺术对象，观察自然界中昆虫、植物、动物的外在形态，从中提取设计元素，开发出曲线美设计。
新艺术运动深受王尔德唯美主义的影响。唯美主义按照“纯美”的原则安排生活，主张为了美的体验而体验美。比如巴黎的一个地铁入口，采用金属铸造技术，模仿扭曲的树枝和蜿蜒的藤蔓，看起来优雅浪漫。
二、德国艺术产业联盟
(1)曾佩尔
20世纪初，Zempel“对德国应用艺术运动产生了强烈的影响，该运动也重视物体的纯粹目的。
德国的曾培尔在《科学、工业与艺术》一书中阐述了艺术创作在工业生产领域的衰落，主张通过改革艺术、研究和普及客体世界的美来改变现有的局面。Zempel专门研究了科技进步成果与这些成果的审美利用之间的中间联系。在他看来，这个中间环节就是形式，它形成了物质文化领域中艺术活动的特征。器物的形式不仅取决于它所用的材料，还取决于体现原始观念的手段和影响某些形式形成的生产因素。
技术艺术与结构艺术中的风格或实用美学:研究艺术中造型的历史规律，阐述形式对功能、材料、制造工艺的依赖性。Zempel的实践美学是19世纪中期欧洲文化的一部分，带有明显的实证主义色彩。Zempel借助风格的概念，指出了艺术史中最初的融化形式与频繁变化的象征形式之间的关系。决定原始形态的因素有两个:一个是器物的材质使用，一个是器物制作所用的材料。他的风格理论成为19世纪中叶欧洲创造新建筑语言的最有效工具之一。这种语言的特点是强调符合社会任务的建筑基本结构的功能。
(2)德国艺术工业联盟
德国艺术产业联盟成立于1907，与反对青年风格等艺术流派有关。
德国的青年风格与奥地利分离主义者的观点一致。青春style源于hirt的《青春》杂志，于6月1896+10月1在慕尼黑创刊。该杂志声称要“摆脱任何狭隘的概念，研究艺术问题和生活问题”。杂志封面用奇怪的波浪线和花鸟图案装饰。图案中间的一些半裸美女，头发松散，体态娇纵。杂志的波浪形装饰字体成为新风格的特点。
在青年风格和分离主义的影响下，德国和奥地利的大量建筑都装饰着奇怪的自然图案。这群艺术家制作的家具中，腿和靠背的线条明显弯曲，吊灯和台灯、灯罩的金属部分让人想起植物图案。他们非常注重原材料的美，强调原材料加工的高超技术，直接模仿自然界的结构原理和形式原理——土、水、风、鸟、动物和植物。
在批判装饰、否定青年风格和分离主义观点的背景下，为了探讨技术产品形态的美学本质和标准化对艺术发展的影响，德国的一些建筑师、艺术家和实业家联合了具有相同艺术兴趣和研究对象的人们。这个想法得到了德国官方机构的支持，于是成立了德国艺术产业联盟。它是艺术与工业、艺术家与实业家的联盟，其基本宗旨是追求产品的品质和最能体现这种品质的形式。
德国艺术工业联盟受到了罗斯金和莫里斯的影响。其章程指出:“艺术产业联盟的宗旨是通过艺术、工业和手工业的共同努力来提高工业产品的质量，并对这一问题进行宣传和全面研究。艺术家、实业家、生产专家、‘候补成员’都可以成为联盟成员，整个团体和机构都可以被接纳为‘候补成员’。”艺术产业联盟在德国的首次出现，与当时德国出现了世界上第一个大规模的垄断组织有关。在垄断组织中，艺术家和实业家之间形成了牢固的联盟，显示了艺术任务和生产任务之间的新关系。由于众多著名企业家的参与，艺术产业联盟的影响力很大。它吸引了大量有才华的艺术家从事工业工作。
德国艺术产业联盟的巅峰之作是1927年在斯图加特举办的威森霍夫住宅展，形成了住宅的新概念。从房子到咖啡杯，一切都是统一的风格。
德国艺术工业联盟公开追求商业目的，其活动提高了工业产品的质量，增强了德国工业产品在世界市场上的竞争力。
三、英国和法国的早期艺术设计
(一)英国早期艺术设计
英国于1915成立艺术设计与行业协会。其成员是艺术设计师、实业家和商人。其工作包括举办展览、争取订单、制定艺术设计工作的评价标准等。它编辑出版有影响力的报刊，对英国艺术设计实践进行了详细的研究；组织书评讨论艺术设计和建筑作品。
英国工业艺术家协会成立于1930。最初是由几个艺术经理和选举产生的委员会领导的小组。其作用是协调与客户和其他创意团体的联系，包括:皇家艺术协会、广告艺术家协会、国际艺术家协会和英国建筑师协会。它没有自己的杂志，而是在各种专门的和一般的艺术期刊上发表文章，阐述自己的立场。
20世纪上半叶英国最重要的艺术设计理论家里德总结了当时英国艺术设计界最关心的艺术与工业的关系。
本书分为四个部分:提出问题:历史和理论方面，形式，色彩和图案，工业时代的艺术教育。书中的主要观点是:(1)近百年来，人们一直试图赋予工业产品一种美学外观。这通常会增加产品的成本，并对劳动生产率产生负面影响。装修成了奢侈品。我们不应该让工业产品适应过去手工艺品的审美标准，而应该制定新的符合现代生产方式的审美标准。(2)艺术在其历史发展中是完整的，但其具体形式是不断变化的。为了消除艺术与工业之间的矛盾，我们不仅要考虑现代生产的要求，而且要理解艺术创作的本质。艺术赋予材料一种在情感上或理智上吸引人的注意力，唤起人的感情的形式。这说明艺术形式的作用是普遍的。(3)新材料的应用、建筑的革命、交通和通讯的更新，都给居住环境的改造提出了许多问题。居住环境要有统一的风格。有些人可能会觉得美和艺术完美的问题会花费太多的精力和时间。(4)工业产品可以从艺术创作的角度来看吗？为了回答这个问题，里德主张将艺术分为人类艺术和抽象艺术两种，在人类艺术中，人类的意义占主导地位，艺术形式是理想和情感的传播者。在抽象艺术中，注意力不是集中在理想上，而是集中在形式上，直接诉诸于人的审美体验。
(二)早期法国艺术设计
柯布西耶是20世纪初法国艺术设计最重要的代表，美学家苏里奥是重要的艺术设计理论家。
柯布西耶出生于瑞士一个雕刻钟表的家庭，在法国接受艺术教育。他将现代技术的成就与形式和造型相结合，展示了现代设计在房屋和公共设施中的可能性。他从1917开始就住在巴黎。1918他与法国画家奥占芳一起，制定了纯粹主义的理论，试图将经济和机器时代的规则绘制到绘画中，简单地勾勒出日常用品(多为家用电器)的线条。他认为人类居住的现代环境包括城市建设、建筑和产品世界。
在城市建设中，柯布西耶描绘了一幅理想城市的图景。摩天大楼创造垂直的城市，指向天空，阳光明媚，空气充足。摩天大楼巨大的几何立面全部由玻璃构成，建筑像水晶一样清澈透明。公园建在建筑物的底部，使整个城市成为一个巨大的花园。柯布西耶把工业
文化时代的住宅被理解为现代城市整体结构的基本元素。他为1925巴黎世博会设计的“新精神”馆是同比例的模型。每个公寓都是一个立方体，660个公寓可以搭建在一起形成一个社区。
柯布西耶的创作重新考虑了结构和功能因素在艺术形象设计和创作中的作用，这在许多方面决定了20世纪建筑和艺术设计的风格。他认为“现代装饰艺术没有装饰”，他把注意力转向纯粹的比例与简单的几何图形之间的和谐，并以人体比例为基础，制定了尺寸和谐的体系，这在他的著作《人的三法则》中得到了论证。
苏里奥倡导理性主义美学，展示理性之美。所谓理性美的论证，就是寻求一种客观的，甚至是国际通行的美的技术形式。与当时流行的自下而上寻找美的客观规律的实验美学相反，苏里亚乌自上而下从哲学上论证了这些规律。他还把理性主义的原则运用到艺术创作和兴趣中，反对印象派的观点，强调情感和理性在兴趣判断中的* * *作用。