如何画人

接受过美术教育的人大概都会有这样的经历。现在回想我们小时候画画是一种享受:想画什么就画什么，想画什么就画什么，自由奔放；不受视角的限制(因为我们不懂)，不受时间和空间的限制，心智想象的空间可以自由活动，表现的手段更是肆无忌惮——只要能表达“我”的意图，让我们开心，怎么画都可以。而画画也是纯粹自发的心理需求，当然会有幸福感。但是当我们长大了，进入美术班学习流画，接受“正规”的美术知识和技能，了解以前不知道的东西，你好像恍然大悟，哦！这就是绘画的意义所在。有那么多的讲究和方法。挺难的！成熟的理性思维方式已经逐渐深入你的大脑，以后还有更多的方法和技巧等着你去掌握和理解。这一切已经在不知不觉中慢慢操纵(应该叫侵权)了你的艺术思想。

美术培训班第一节课学到的是如何使用铅笔:拇指、食指、中指并拢握住铅笔，在画纸上斜着用。然后老师会放一堆静物作为你的绘画对象。他先在桌子上铺一两张桌布，然后在上面放瓶瓶罐罐，水果之类的东西，就算有了画画的基础。接下来你要在画板上点好素描纸，放在画架上或者膝盖上，距离静物三倍远。老师要求先用较浅的直线画出面前物体的轮廓。他会给你讲“和平的正方形里没有圆”的绘画理论，这是老生常谈，意思是物体在理解上要简化概括为简单的几何形状。比如画石膏球体，不要直接画圆，先画一个淡淡的正方形，然后从四个角切开，使四边形变成多边形，再慢慢变成圆。如果用眼睛目测物体还是没有安全感，可以用测量来获得物体的比例。方法是伸直手臂，手里拿一根长铅笔(也可以专门做一根长木棒)，手臂和铅笔形成90度的夹角。通过铅笔的高度，可以测出静物上下两段的比例(水平使用铅笔，还要伸直手臂，这样得到的比例和上下比例一致)，然后把得到的比例画在纸上。在这个过程中，有的同学根本就不理解老师为什么总提“宁！

接下来就是五音、空间感、纵深感、立体感三个方面遇到的概念和演奏技巧。如果你的画面有了基本的造型和比例关系，这只是第一步。然后你得明白“调”的概念:中国画有笔墨，有层次。即墨分五色，墨有虚实浓淡，线条有直、曲、方、圆，类似西洋画。西方人认为，物体是由“面”构成的，所谓的“线”是不存在的，我们看到的物体外轮廓的“线”只是物体的边缘“面”与空间背景的“面”相交形成的微小“小平面”，而不是边界线。还有，当你站在一个点上画画时，有一个透视问题(焦点透视)，即物体有距离的变化，有大小的差异。我们来研究一下明暗的因素:由于光线的作用，被画物体上有很多颜色的变化，可以概括为五个颜色段——黑、白、灰、边界线、(反光)、投影等。——即五音，其中明暗分界线最为重要，关系到体量感的塑造。在你理解了这些理论之后，你还要进行训练和练习，比如排线(左对角线、右对角线、米、十字等。)，黑白灰度，真实，紧绷，线条笨拙。初学者倾向于把物体的形状(边缘线)画成“线框”，透视关系往往是颠倒的；调音时，颜色重复，同样的重量无处不在，发出黑色的光芒。如果解决不了，就用橡皮擦，结果会越来越差。

用力擦，比如画一个石膏球体，明暗界限画得太暗，其他地方跟不上；或者过渡不自然，感觉边界特别突出，与周围脱节，倒影没了；投影，黑暗部分和明暗界限混在一起，你我他分不开。如此反复，时间久了，你就把问题一个个解决了，直到你成为一个优秀的素描大师。

然而，更复杂的事情还在后面。比如你画中描绘的物体缺乏立体感、空间感和纵深感，这是一个更致命的问题。涉及到你对身体各个部位刻画的细致程度和空间距离。画画最忌讳的就是平均主义，换句话说就是不能把几乎每个部分都画出来(技术上有时候反过来，要求平画，平均)，否则会显得“平”。比如被画对象的前面部分要刻画得“硬”一点，让它“出来”，但是有时候你把后面的东西画得太仔细了，关系颠倒了，没有距离感和纵深感，也就是说背景跑到前面去了。在画石膏头像的时候，我们往往把鼻子、眼睛、嘴巴、眉毛画的一模一样，分不清哪个是重点，很多细节都很突出。这种情况就是主次观念的缺失。此时老师会提醒你重点，比如突出眼睛(眼睛是脸的灵魂)、鼻子等重要部位。你可以学会重新调整画面，但是切记千万不要把眼睛抠出来或者使劲抠瞳孔。你要知道眼睛是在里面的，不要画出来。画人像的时候，老师强调的是“结构”这个概念，但是你太小了，还没有完全理解结构这个词，以为画一个地方“方”或者“重”或者使劲挖就会觉得有结构感，这就大错特错了。结构是物体本身的结构(如建筑时的框架)，受光的影响，形成一个？！

嘿嘿嘿嘿。——这叫明暗分界线。一般从这里开始更容易把握色调，因为你用最深的颜色来表现，其他地方可以一层一层递减，直到最浅的颜色。这里补充一下，光影的画法一般认为是来自前苏联的切斯卡科夫素描体系。画面主要用光影来表现，黑、白、灰的层次也要一字排开。对结构的理解主要看光影对造型的影响。但这种制度通常会导致学生建模的“后遗症”——似乎永远画不完，对大面积的协调过于纠结。如果你看到法国安格尔的素描，你肯定不明白这是怎么回事，因为他的造型原则和苏联学派的大相径庭。以上只是对结构理解的一个方面。我们不要忘记很重要的一点——形体本身的“构图”是永恒的，而光影是千变万化的，也就是说物体本身的大小和结构是不容易改变的。所以素描和绘画时不要总是跟着光影走，那样会变得被动。分析形态之间的转折，找出它们相互联系的点和“面”，然后有目的地描述这些部分，才能真正起到“塑造”的作用，这一点非常重要。只有“塑造”，物体才有立体感。体积感源于西方而非东方。我们国画基本都是平面的，多以边线为主，有时“内”也可以略作渲染。而西洋画则要求表现三维。

放置在这个“非常真实”的空间中的物体，呈现出影像般的效果，通俗地说就是“画如其真”。

简单的静物和石膏训练不难，人像素描难。人头像的画法与石膏不同:石膏质地透明，色调稳定。一般来说，它是用铅笔B塑造的，用铅笔2B和3B塑造的，4B对于最暗的地方就足够了。但是人物头像有肤色和头发的问题。画的时候，一开始要放松，然后逐渐收紧，直到完成。头发要蓬松，最暗的地方可以用6B铅笔画。表情的描写要抓住眼睛、鼻子、嘴巴的表情，强调活力感，千万不要画死，同时要明白黑、白、灰的关系，不要重复使用色彩；结构上，注意头部和颈部的关系。有的同学只注重人物脸部的刻画，往往忽略了脖子。结果头好像放不下，脖子画得像根柱子，又直又直，就像插在胸口一样。头像是半身像，主要表现头部和胸部的关系。在这里，脖子的扭动很重要，它的变化影响着人物的各种姿势和表情，手臂和手的身体结构，也是胸围的重点。老师总是强调画“关系”，指的是这些部分之间的关联。到了这一步，你必须了解人体结构和头部的比例。人头部的大致比例可以用“三亭五眼”来概括三亭是指发际线到眉毛、眉毛到鼻尖再到下巴的距离相等；五眼是指如果从正面看，脸的宽度可以！

分为五个部分，而每个部分都是一只眼睛的宽度，耳朵的高度正好是眉毛到鼻尖的距离。眼睛的部分一般是半个头(这个比例适合成年人)，而儿童的比例不同(因为不成熟，眼睛基本在半个头以下)。成年人的身高是根据头长计算的。一般中国人的身高都是七或者七个头半长。如果我们坐在凳子上，它有五个头长。当我们盘腿而坐时，它就变成了三个头半长。刚开始画人的时候，老师还会布置一个头骨的草图，让大家记住骨点和它的基本形状，然后画出肌肉的石膏模型，目的是教我们如何把两者结合起来。在人像素描的过程中，有些人倾向于过多地画人物脸部的某些部位，比如抓颧骨，几乎不可能把所有的骨头都画出来。这种方法不可取。人像是由骨骼、肌肉和表皮组成的，而不仅仅是一部分，所以要注意它们之间的关系。在结构的研究和教学中，我国美术教育家徐悲鸿先生有一套自己的训练方法:他要求学生默写人体的骨骼结构，并与素描相结合。他画马的时候，对结构也有同样严格的要求，反复勾画马的骨架和结构，然后结合素描练习。所以徐悲鸿的《奔马图》才如此传神。

低头是一个半身像。胸围的难点在于手、前臂、后臂、胸、腰的关系。初学者倾向于画手臂粗或者手绘，比例不协调，或者头大或者头小。当然，绝对的准确是不存在的，只要你的画面让人看着不舒服，视觉上舒服。全身形象比较复杂。把腰画得很长是常见的错误，还有就是对手和脚的忽视。在人物画中，脸是第一表情，手是第二表情，所以脚是第三表情。所以在常规的素描教学中，会特别进行手脚素描训练，尤其是难画的手指和关节。同时，人体解剖学也不容忽视。现在的美术教学中，学校开设解剖学和透视学课程，讲解必须掌握的知识。上课的时候，老师会逐一讲解人体各部位的构造，骨骼和肌肉的形状，让学生背下来，直到背得一清二楚。期末会有闭卷考试。基本的方式就是默默的画出人体某个部位的肌肉或者骨骼结构。目的是让你牢牢记住它们的形状，方便以后在素描中应用。但是仅仅记住这些形状是不够的。素描时要根据具体的对象来表现结构。有没有发现，素描的训练已经成为当前艺术院校的一个重要科目，似乎是造型的基础。而要想进入这个体系，就得通过严格的考试，才有机会学习绘画。考试科目一般包括:素描、速写、色彩、创作(生活？！

如果你是学油画的，除了写生，还必须接受大量的色彩和临摹训练。这样才能熟练掌握油画技巧，又不会太“业余”。临摹欧洲的经典名作是你的第一课，从文艺复兴、安吉尔、德拉克洛瓦到印象主义，再到现代主义、后现代主义绘画。无论如何，你首先要了解颜色的种类和基本规律:什么光源、固有色、环境色、冷色、暖色、色调等等。方法和程序类似素描学习，先画静物，再画风景和人物；从单色到彩色，循序渐进。我们刚开始画颜色的时候，总是过分关注其固有的颜色，却不知道物体与周围环境的关系，或者颜色太原始(不协调)，太脏(次数太多)，或者没有色调。画色彩比素描更难，因为它包含了素描和色彩两个部分。有的同学在画彩画时只寻找色彩关系和环境色彩的变化，而忽略了素描要素——有色彩的、无形的；反之，只抓造型，不注重色彩，作品就像一幅单色素描——缺乏活力。在学习的过程中，也会有放弃学习的想法，觉得自己不是画颜色的料，很痛苦。因为这个既定的轨道已经变成了一个程序，你在不知情的情况下进入了一个“陷阱”，但你毫无概念。日复一日，经过强有力的训练和练习，你逐渐了解了西方油画的绘画技巧，视觉世界也变得令人眼前一亮！

花很刺眼(你看多了)。也许你最初对艺术的体验是尽可能的了解，但后来你会抱怨自己看多了，因为很多学校把你搞糊涂了，你无所适从，然后你可能会对这一切产生怀疑。

经过这一切正规的艺术教育，你已经成为一名优秀的画家，所以你应该感到自豪。但是，你有没有发现，没有实物或照片的参照物，我们是无法画画的，我们对形象也有着严重的依赖和模仿。你我对“创造”这个词的含义思考了多少？你知道，也许是很多大师的名字。而当你发现艺术会成为一种抄袭生活本身、经过技能训练的“痛苦”时，你会更加迷茫，与你最初对艺术的理解大相径庭，毫无神圣感。这样程序化的艺术教育，培养了大量的艺术“人才”，但又有哪一个能摆脱固有的视觉经验，另辟蹊径呢？现实使我们困惑。也许那些非学院派的人会更有创造素质，更有成功的机会。所以，大量“学院美术”人才逐渐远离“美术”行业，转向实用性，我认为是明智的选择。他们应该为生命寻求真正的寄托，而不是浪费水和生命。

其实我们是多么想用童年的心态去创作艺术，去享受艺术，去感受生活，去自由自在地表达自己的想法和希望，去寻找一种非程序化的艺术创作方式。